押し込みと「押す（圧）」は違う
〜アルパは触れるだけでは鳴らない〜

前々回のコラムでは、避けたいフォームのひとつとして

「押し込み型」について書きました。

弦を下に押し込むように弾くと、音は固くなり、

流れも止まってしまうからです。

しかしここで、ひとつ大切なことがあります。

押し込みと、押すこと（圧）は違う

ということです。

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押し込みとは、弦を下方向に押し込み、エネルギーを弦の中で止めてしまう動きです。

この状態では

・音が固くなる

・流れが止まる

・次の音へつながらない

という問題が起きます。

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一方で、演奏の中には弦にほんの少し圧がかかる瞬間があります。

この圧は、弦を止めるものではなく、弦を通るための圧です。

弦に触れた瞬間、ほんの少し圧がかかることで弦は押し返し、その反動が音を立ち上げ、次の音へと流れていきます。

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アルパは
触れるだけでは鳴りません。

弦に触れたとき、わずかな圧が生まれることで弦は振動し、

音が立ち上がります。

押し込んではいないけれど、弦の反動を生むだけの圧は自然に存在しています。

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アルパの音は、押して作るものではありません。
でも、
触れるだけでも鳴りません。

押し込まず、しかし触れるだけでもない。

その間にあるわずかな圧が、アルパの音を生みます。

大切なのは、押すことではなくエネルギーが止まらず通ることなのです。

脱力の罠

―「力を抜けば良くなる」は本当か―

演奏がうまくいかないとき、多くの人が最初に疑うのは「力み」です。

「力んでいるのかもしれない」
「もっと脱力しよう」

確かに、過剰な緊張は音を固くします。
しかし、それでも良くならないことがあります。

力を抜いても、

・音が浅い
・アーチが崩れる
・流れが途切れる
・フラフラする

そして最終的に、

フラフラなのにガチガチという状態が起こる。　

これは「力み」の問題ではありません。

問題は、

エネルギーが通っていないことです。

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力を抜くと、支えも同時に失われることがあります。

支えがなくなると、身体は無意識に別の場所を固めて安定を作ろうとします。

その結果、

・指先は軽いのに
・手の中は緊張する

という矛盾が生まれます。

これが「フラフラなのにガチガチ」の正体です。

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脱力は目的ではない

脱力は結果です。

流れが通れば、
余計な緊張は自然に消えます。

逆に、

流れがないまま脱力を目指すと、
構造が崩れます。

本当に必要なのは、

「力を抜くこと」ではなく、

止めないこと。

力を抜く前に、

その力は

“滞っているか・流れている”かを、

感じてみると良いかもしれません。

“型”の違いを尊重するということ ー 押し込み型は避けたい理由 ー

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パラグアイアルパのレッスンでは、

「先生の手を見て、そのまま真似る」という学び方が基本になります。

この方法で、すっと感覚を掴める方もいれば、

なかなかうまくいかない方もいます。

私は日本で教える中で、

“見て真似る”だけでは上達しにくいタイプの方もいる

ということを、何度も感じてきました。

そこで、感覚だけに頼るのではなく、

何が起きているのかをできるだけ言語化して伝えられないか。

そう考えながら、これまで多くの方の手の動きや音の出方を観察してきました。

その中で、アルパの弾き方にはいくつかの“型”のようなものがあり、

人によって自然に選ばれている型が違うのではないか、

と感じるようになりました。

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＜型の違いは、優劣ではありません＞

私の感覚では、アルパの弾き方には大きく分けて、

• 弦の反動に乗って音を作る「反動型」

• 形の再現性を大切にして安定した音を作る「固定型」

• 横方向に流すことで音をつなぐ「流し型」

といったタイプがあるように思います。

これらは、どれが正解・不正解という話ではなく、

音楽の作り方の“思想の違いのようなものです。

なお、これらの分類は、アルパの奏法として

一般に体系化されているものではなく、

私自身が多くの演奏やレッスンの現場を見ながら、

便宜的に分けている整理です。

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＜ただし、「押し込み型」だけは避けたい＞

一方で、私はどうしても避けたい弾き方があります。

それが、弦を押し込むように弾く“押し込み型”です。

押し込み型は、一瞬は音量が大きく出るため、

「よく鳴っている」ように感じられることがあります。

しかし実際には、

• 音が伸びず、硬く痛い印象になりやすい

• 弦の反動が殺され、音が前に飛びにくい

• 指や関節に負担がかかり、故障につながりやすい

といった問題を抱えています。

音楽的にも、身体的にも、長く続けるには

リスクが大きい弾き方だと感じています。

そのため私は、型の違いは尊重しつつも、

押し込み型だけは、できるだけ避ける方向へ導きたい

と考えています。

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＜型は「育つもの」でもある＞

反動型・固定型・流し型は、その人の身体の癖、音の好み、

これまで出会ってきた先生や楽器によって、

自然に形作られていくものです。

無理に別の型へ変える必要はありません。

ただし、

• 音が苦しそう

• 速くなると詰まる

• 指や手首に違和感や痛みが出る

• 音が響かない

といったサインがある場合、

今の型がその人の身体や楽器に合っていない可能性もあります。

そのときに、別の“型の考え方”をそっと提示できることが、

指導者としての役割なのではないかと感じています。
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＜おわりに＞

アルパの弾き方には、ひとつの正解があるわけではありません。

けれど同時に、

身体を壊したり、音の可能性を狭めてしまう弾き方は、できるだけ避けたい。

型の違いを尊重しながら、音楽としても、身体としても、

無理のない道を一緒に探していけたらと思っています。

パラグアイに行くと、

「何曲新しい曲を覚えられるか」

「どれくらいレパートリーを増やせるか」

ということを目標にする人も少なくありません。

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けれど、正直に言うと、

“曲を覚える”だけなら、いまの時代は日本にいても十分にできます。

YouTubeにはたくさんの演奏動画があり、

耳コピもできますし、手元の動きも目で追えます。

日本で先生に習えば、ドレミを言ってもらえますし、

弾き方のコツも言葉で丁寧に教えてもらえます。

効率だけを考えるなら、その方が早い場面も多いでしょう。

実際、パラグアイの先生たちは

「見て、聞いて、覚える」というスタイルが基本です。

音名や弾き方を細かく言ってくれることはほとんどなく、最初は戸惑う人も多いと思います。

それでも、私がパラグアイへ行く意味があると思っているのは、

曲を覚えるためではありません。

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生の演奏を“浴びる”こと

現地の奏者の演奏を、

動画ではなく「生」で浴びる。

その体験は、まったく別物です。

音の大きさや柔らかさ、

流れや響きの方向、

身体の使い方、

呼吸のリズム、

間の取り方。

そういったものは、

映像や言葉では、どうしても一部しか伝わりません。

けれど、同じ空間で見て聴いていると、

ある瞬間ふっと、

身体の奥が目を覚ますような感覚が起きることがあります。

「あ、こういう響きなんだ」

「こういう流れなんだ」

と、頭で理解する前に、

身体のほうが先に反応してしまう。

私は、これこそが

パラグアイで学ぶ一番の意味だと思っています。

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技術ではなく、“感覚の種”を持ち帰る。

現地で得られるのは、

完成した技術や、すぐに再現できる答えではありません。

けれど代わりに、

身体の中に残る“感覚の種”を持ち帰ることができます。

その種は、日本に戻ってからの練習の中で、

ある日ふと芽を出します🌱

動画を見ているだけでは気づかなかったこと、

今まで何度も注意されてきたのに

腑に落ちなかったことが、

突然つながる瞬間が来る。

それは、「曲を何曲覚えたか」では測れない学びです。

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何曲覚えたか、ではなく

パラグアイでの学びは、

“成果”がすぐに数字で見えるものではありません。

けれど、

演奏の質や、音の感じ方、

身体の使い方の根っこに、

静かに影響し続けます。

だから私は、

「何曲覚えられたか」ではなく、

「本場の音を、生で浴びて

自分の身体が、何に反応したか」

そこを大切にしてほしいと思っています。

前回のコラムでは「楽器のテンションが変わることで、

フォームや指を壊してしまうことがある」

という少し警鐘的なお話を書きました。

今回は逆に、

良い楽器は、良い先生になってくれる

というお話です。

今回、パラグアイで新しいアルパに触れたとき、

私は「テンションが高い」とは感じませんでした。

ただ、「反応がいいな」と感じただけでした。

ところが、日本に戻って別の楽器に持ち替えた瞬間、

「あれ？」と違和感を覚えました。

そこで初めて、

自分が弦の反動を感じながら弾いていたことに気づいたのです。

テンションがやや高めの楽器は、

弦の反動がはっきり返ってきます。

そのため、フォームが合っていないとすぐに弾きにくくなり、

逆に、弦の動きに逆らわずに弾けていると、自然と指が運ばれていきます。

私はそのとき、「アルパは押す楽器ではなく、

返ってきた反動に乗る楽器なのだな」と感じました。

反動に逆らわず、返りに“乗る”ように弾けているときは、

関節は柔らかく動いているのに、不思議とフラフラせず、

安定した感触になります。

良い楽器は、この「逆らっているか、乗れているか」を

とても正直に教えてくれます。

うまく弾けているときは、弦の方から

「こっちだよ」と道を示してくれるように感じることもあります。

楽器は、ただ音を出すための道具ではなく、

自分の弾き方を映してくれる“鏡”であり、

ときにはフォームの間違いを教えてくれる“先生”にもなります。

だからこそ、

楽器選びはとても大切ですし、

良い楽器と出会えたときは、

ぜひその反応に耳を傾けてみてください。

楽器は、

言葉では何も教えてくれませんが、弦の反動や弾き心地を通して、

いつもたくさんのヒントをくれています。

パラグアイから戻り、新しいアルパに持ち替えました。今回の楽器は、同じエル・レイのアルパでも、テンションが少し高めの個体でした。（すべてのエル・レイがテンションが高い、という意味ではありません）

　テンションの高い楽器に触れたとき、ふと、過去に「楽器を替えた後に指を壊してしまった人」たちのことを思い出しました。
あのときは、「たまたま相性が悪かったのかな」「無理をしてしまったのかな」くらいにしか考えていなかったのですが、今回、自分がテンションの高い楽器と向き合ってみて、そこにははっきりとした“構造的な落とし穴”があるのだと感じました。
楽器が変わっただけなのに、それまで問題なく弾けていたフォームが通用しなくなる。そして、その違和感を“力”で埋めようとしたとき、音より先に、指や関節のほうが悲鳴をあげてしまう。
これは特定の工房や楽器の問題ではなく、楽器の個体差と、弾き手のフォームとの組み合わせの問題だと思います。楽器を替える予定のある方や、楽器を替えた後に調子が悪くなってしまった方、これからテンションの高い楽器に触れる方にとって、少しでも参考になればと思い、自分の実感をもとに書き残してみることにしました。

❌ ① 前の楽器と同じ「出力」を出そうとしてしまう

　新しい楽器に持ち替えたとき、多くの方が最初に感じるのは「思ったより鳴らない」という違和感かもしれません。
そのとき、無意識のうちに起こりやすいのが、前の楽器と同じ感覚で音量を出そうとしてしまうことです。「あれ？鳴りにくい？」と感じた瞬間、指は自然と力を足しにいってしまいます。
しかし、テンションの高い楽器は、出力を上げることで鳴らす楽器ではありません。むしろ、方向が合ったときに素直に鳴ってくれる楽器です。
音量で何とかしようとすると、音よりも先に、指・関節・腱に負担がかかっていきます。

❌ ② 「鳴らす＝押す」になってしまう

　音が思うように出ないとき、多くの方は「もっと鳴らそう」と考えます。その結果、無意識のうちに指を深く入れたり、強く押し込んだりして、弦に“噛ませる”ような動きになってしまうことがあります。
これは、「鳴らす＝押す」という感覚が身体に染みついている状態です。
ですが、テンションの高い楽器は、押せば鳴る構造にはなっていません。むしろ、押した瞬間に流れが止まり、反発を指で受け止めてしまいます。
この状態が続くと、腱鞘炎、爪のトラブル、関節の痛み、指の痺れなど、身体の方が先に悲鳴をあげてしまうことがあります。

❌ ③ テンションを「筋トレ」だと勘違いしてしまう

　「テンションの高い楽器で練習すれば、指が強くなる」そう感じる方も少なくありません。
たしかに、テンションの高い楽器で練習することで育つものはあります。ただし、それは筋力ではなく、方向の精度です。
力でねじ伏せるような弾き方を続けてしまうと、指は強くなるどころか、本来の“使い方”が少しずつ崩れていってしまいます。
テンションの高い楽器は、指を鍛えるための道具ではなく、方向のズレを教えてくれる鏡のような存在なのだと思います。

🌼今回は、テンションの高い楽器に持ち替えたときに起こりやすい「指を痛めてしまう落とし穴」について書きました。
ただ、テンションの高い楽器は、決して“怖い楽器”でも“危険な楽器”でもありません。むしろ、使い方が合えば、自分のフォームのズレや方向を、とても正直に教えてくれる存在だと感じています。

🌼次回は、「良い楽器は良い先生」というテーマで、新しい楽器とどう向き合えばよいのか、実際に自分が感じたことをもとに、“解決策”のヒントをいくつか書いてみようと思います。

アルペジオを綺麗に弾くには音質・音量・スピードが均一なことが大切、と前回書きました。

今日はその音質について。

アルペジオや曲の練習をしていると、慣れていない方は、まず指をポジションにセットする

のに頭がいっぱいで、なかなか他のことに気が回っていないようです。

そこで、1本の弦（ドだったらド）を４の指・３の指・２の指・１の指と

順番にポーン・ポーンと鳴らしてみてください。

全部の指が、同じ音質で綺麗と感じる音だったら大丈夫です☆

でもたぶん、ある指だけ音が薄かったり（細かったり）、金属的な音だったり、

がさがさした音になってるのでは・・・。

弦のはじき方のせいかもしれないし、爪のせいかもしれません。

爪は「最近割れてしまい、ガタガタしている」「何かで補修している」

など・・・・はっきりした理由があると思います。

爪の故障が原因の人は、単に弾き辛いだけではなく

「こんなに音色が変わってしまうんだ・・・」

と自覚すると、以後もっと気をつけるようになりますね。

そして全部の指で弾き終わったあと、

　私：　「〇指が一番綺麗な音！」

　生徒さん：　もう１回全部の指で弾いてみる。　
　　　　　　　　　「ホントだ！」

　私：　「次は、全部〇指と同じような音が出るように弾いてみて！」

そうすると、はじき方については何もアドバイスしていなくても

他の指も同じように良い音が出たりします！

その生徒さんにとって、出したい音をリアルにイメージした結果だと思います。

良い音色とはじき方を、耳と指が覚えて調整したのですね。

アルパはなんとなく弾いても、それなりに綺麗な音が出る楽器なので

その分、音に対する意識が薄くなってしまうことがあるかもしれません。

いつも出したい音のイメージをしっかり持つことが大切です♪

アルパ（ハープ）をはじめた人がまず憧れるのは流れるようなアルペジオではないでしょうか。

アルペジオを弾く時、音の粒がそろっていると綺麗に聴こえますね♪

広域なアルペジオを弾く時、右手と左手を交互に使いますが、

使う腕や指によって音量・音質・スピードのどれか1個が違っても綺麗なアルペジオにはなりません。

（もちろん表現としてのクレッシェンド＆ディミヌエンドやリタルダンド＆アッツェレランドなどは別。）

粒がそろってない箇所で、耳が「ん？」ってなれば、自然と耳が指の調整を始めます。

耳というか脳ですかね。

なので、「ん？」って思うことが大切です。

耳に違和感が無ければ、ただ指を動かしているだけで、　　　　　　

指の運動にはなるけど、粒もそろわなければ音も良くならず

いつまでたっても流れるようなアルペジオにはなりません。

「自分の音をよく聞いて練習してね～」とはそういうことです。

アルペジオに限らず全てに言えることですね☆

昨日と今日はアルパのレッスンでした。

生徒さんは皆さんとても忙しくて、

朝仕事に出かける前に１５分間練習するのが日課、　　　　　　

休みの日にまとめて５～６時間練習している、なんて話を聞くと

すごいなぁ、頑張ってるなぁと思います。

練習する時間がない！という生徒さんにお伝えしていることは、

もし練習時間が１０分間しかないなら、

曲を通して弾く練習はしなくてもいい、　ということです。

１０分間で曲を２～３回通したところで、あまり上達は望めないと思います。

その10分間、例えば苦手なアルペジオを集中して練習したら

今までよりもずっとスムースに弾けるようになるでしょうし、

曲の中で苦手な箇所があれば、その箇所ばかり練習すれば

何十回も弾くことができます。

ただ曲を通すよりずっと内容の濃い10分間になると思うのです。

時間が無いときほど、集中して効果的な練習をしたいですね！

寒い日が続きますね～。

ちょっと弾けばすぐに手が暖まるという代謝の良い方はいいですが、

そうでない場合、手がかじかんだまま練習を始めるのは

効率的ではないうえ、調子やフォームを崩すこともあるので、

十分手が暖まってから練習を始めたほうが良いと思います

アルパのレッスンでは、レベルに応じてやることが違いますが

ある程度弾ける人には、表現にこだわってレッスンしています。

音楽的な表現をするためには、テクニックが必要です。

音楽性とテクニックを分けて考える人もいますが、

私はこの二つは切り離せないものだと思っています。

“自分が表現したいことが出来るだけのテクニックを持っている”ということ。

“テクニックよりも心”説もよ～く理解できるけど

技術不足を、雰囲気や大げさなアクションでごまかして“心”を込めても

実際音には何の表現もついていない・・・という演奏は聴きたくないですね

そういえば、あるコンサートに行き

「酔った顔で演奏している割には、それほど耳からは伝わらなかった。」

と言っていたお客さんがいました。結構バレちゃうんですね

日はポロロン♪とジャーン♪について。

音楽的な表現じゃないけど、アルパやってる人には

ピンとくる表現ですよね･･･？

.

例えばアルパの1stポジション（ド・ミ・ソ・ド）の4つ音を弾く時、

当時にジャーン♪と鳴らすこともあれば、

ポロロロン♪と下から1本ずつ弾いていくことがありますね。

（3つの音でも2つの音でも同じ）

ポロロン♪はとてもアルパらしいので、はじめて上手に出来たときは

皆さん嬉しかったと思います。

それでなんでもかんでもポロロンで弾いていませんか？

ポロロン♪は確かに気持ち良いです、が、なんでもポロロンはクドイ。

私も以前はよくポロロンを多用して、師匠のマルティン･ロペス先生に

「なんでもかんでもそうやって弾くな。初心者みたいだぞ。」

と言われたことがあります。

でも好みもありますから、「ポロロンで弾く！」と思って弾いているなら、

それは良いと思います。

気をつけることは、なんとなくポロロン、なんとなくジャーン

になっていないか、ということです。

和音を同時にジャーンと鳴らすことは、思っている以上に難しいです。

オクターブでもぴったり同時は難しいです。

同時に鳴らしているつもりでも、注意深く聞いてみてください。

●意外とズレていませんか？

●同時に弾けたとしてもバランスは良いですか？

ジャーンとポロロンをしっかり意識して区別して弾いている人と

ジャーンとポロロンどっちでもいい？その時の気分？

その時の指の調子？でなんとなく弾いている人の差は、

弾いた本人より、聞いている人にわかってしまいます。

レッスンで生徒さんに「いま、どっちで弾こうとしたの？」と聞くと、

「何も考えてなかった」「同時のつもりだった」という答えが多いです。

同時のつもりでもズレてるんです。

そしてどっちつかずの意思の感じられない演奏に・・・

ポロロン♪かジャーン♪か。

ポロロン♪は音の粒がそろっているか。

ジャーン♪は全部の音が同時に鳴っているか、バランスは良いか。

意識してしっかり弾く（聞く）ようにしましょう

アルパのレッスンをしていると、生徒さんから

「この曲は好きなんだけど、なぜか弾くのは苦手」と聞くことがあります。

そこで大切なのは・・・”なぜ苦手なのか”という原因を探すこと。

なんとなく苦手～と思って、なんとなく練習しているだけでは

得意にはならないかも。

ちょっとの気付きで、ちょっと何かを変えるだけで、

スラスラ弾けるようになることってありますよね。

私はレッスンで、その“ちょっとの何か”を見つけることが役目だと思っています。

かといってすべて先生頼みで、言われたことしかしないのではイケマセン

自分で考えながら練習することが大切なのです。

考えながら練習する習慣がある人とない人では

同じ練習時間でも大きく差がつくと思いますヨ

今日は新小岩でアルパレッスンでした

フォームに悩んでいた生徒さんが

急に良くなっていたのでとっても嬉しいです!!!

「いっぱい練習したでしょ？！」と聞くと、

8時間×３日間集中的にフォームを意識して練習したそうです。

普段はとても忙しい生徒さんですが、仕事が休みだった3日間アルパ漬け！

このフォームを忘れないでね、と

良くなったフォームを携帯で撮ってお渡ししました

またもう一人の生徒さんは、指が弾くたびに跳ねてしまう癖がありました。

この癖はわりとよく弾ける人でもみかけます。

この生徒さんもかなり改善されました。やっぱり同じように

「いっぱい練習したでしょ～」と聞くと、

娘さんが携帯で撮った動画を見たところ、

（試し撮りで、勝手に撮られていたそうですが娘さんナイス!!!）

自分が思っていた以上に指が跳ねていたそうです。

弾きながら見ている角度より、はっきり自覚できたんですね。

昨日のリハーサルでベース講師をしている赤塚祐亮くんに、

“フォームを直すために、どういう指導してる？”と相談したところ

“鏡を見ながら練習してもらうといいですよ”と聞いて

なるほどな～、と思っていた矢先のことでした！

先生に言葉で言われるより、自分の目で確認するほうが

ずっと自覚できるんですねそして自覚して練習するから結果が出る。

無理やり弾いて変な癖がついてしまうと、後で直すのが大変なので

早い段階で綺麗なフォームを身につけることが大切だと思います。

なるべくなら私も口うるさく言いたくないのですが・・・

結局は生徒さんが後で苦労したり、上達の遠回りになってしまうので

根気強く伝えていきたいと思います

←新小岩駅前教室

鏡張り

“いつも同じ場所で間違えてしまう”ということについて。

そこで大事なのは部分練習

アルパの場合楽譜を使わないことがほとんどですので、曲を覚えないといけない。

覚えるためにひたすら通す・・・。

間違ってても“後で直そう”と思ってとりあえず通してしまう。

それを続けると間違いが指と頭にインプットされてしまいます。

そりゃ通したほうが楽しいですが、なかなか完成度はあがりません。

なので部分練習でゆっくり正確にさらうことが必要です。

ど根性で100回やっても、間違い間違いの100回はあまり意味はありません。

ゆっくり正確に、指に正しい音を覚えさせる。

そして少しずつテンポアップが有効かな～と思います。

そして・・・部分練習では弾けるのに通すとやっぱり間違えるという場合。

部分練習では整った弾きやすいフォームで始めているので、

成功率が高くなっています。

でも通すと、部分練習していた直前の音で力みが出たり、

フォームが崩れたりしているので上手くいかないのだと思います。

なので失敗する箇所の、前のフレーズから練習することが大切です。

それでも何度やっても出来ないという場合。

運指を見直してみる、というのも有効だと思います。

アルパの場合、楽譜に指番号が書いているわけではないので

迷うこともあると思います。

なかなか弾けないのは、弾きづらい運指で弾いているのかもしれません。

特に難しい箇所については、先生が指使いを教えてくれていると思いますが

自分は別の指を使ったほうが弾きやすいと感じる場合、

聴いて問題（音が途切れたり、変な音にアクセントなど）がないなら

変えていいし、心配だったら先生に訊いてみるといいと思います。

“その指使いもいいね”という場合もあると思いますよ。

何でも律儀に先生の言うとおり弾く必要は無いんです

私もある程度練習しても弾けないときには、運指を変えてみます。

今日は自分で書いていて耳が痛いお話でした～

どんどん寒くなりますね・・・冬は指がかじかんで

練習開始からなかなか調子があがりませんね

今日はアルパの“タッチ”という部分について。

「アルパは爪で弾きます」と言われていますね。

私もＭＣではそう言います

でも、私の場合正確には・・・「指と爪で弾きます」

左手のベース音は誰でも指で弾くと思いますので、

右手もしくは左手でも細かい音を弾く時のお話です。

“爪だけ”で弾くのか“指と爪”で弾くのかは、

音色にはっきりと違いが出ます。

＜爪の先だけ・爪を引っ掛けるという感じの弾き方＞

良い点：繊細でクリーンな音が出ます。タッチの雑音が出にくい。

悪い点：弾き方によっては、芯のない薄く痩せた音にも聞こえます。

では指と爪とはどういう弾き方か・・・。

＜指から入り爪で抜く、指から爪まで滑らせる感じの弾き方＞ 　　　　　　　

良い点：芯があり、厚み＆温かみのある音が出ます。

爪も同時にあたっているので深くクリアーな音が出ます。

悪い点：弾き方によっては、もっさりした音になったり、雑音が出ます。

この指と爪の割合や、爪の長さや形・固さなどによって音色に違いが出ます。

それが個性ですね。

私が出会ったパラグアイのアルパ奏者は皆、“指と爪”でした。

日本では“爪だけ”の人も多いけど、どちらかといえばやはり

“指と爪”が多い気がします。

個人的には“爪だけ”の薄い音が気になってしまうので、

生徒さんには爪だけで弾かないように言いますが、

どちらが良いのか一概には言えないかもしれません。

音色の好みや、その人にとっての弾きやすさもあると思います。

いつもちゃんと“自分の音色”を意識して聞いて

自分に合った爪の長さや形、指の当て方を見つけられると

いいと思います。

私もいまだに爪の長さや形はいろいろ試していますよ～